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New National
(SwStr: t. 1.000; a. 1 12-pdr. R.)

O New National, um navio a vapor de madeira com roda lateral, foi apreendido por canhoneiras da União em Memphis, Tennessee, em 6 de junho de 1862, após terem destruído a Frota de Defesa do Rio Confederada.

Colocado em serviço como um transporte, o Primeiro Mestre AM Grant no comando, para a Flotilha Ocidental do Departamento de Guerra, o New National transportou tropas em uma expedição conjunta a St. Charles, Arca, onde pousaram em 17 de junho, invadiram os terraplenagens do sul e assumiram o controle do Rio Branco para a frota da União.

Transferido do Departamento de Guerra para a Marinha em 30 de setembro de 1862, o New National serviu como navio de recebimento, correio e barco de suprimentos para o Esquadrão do Mississippi.

Retornada ao seu proprietário, Pearson Montgomery, por intervenção do Secretário do Tesouro Chase, em 21 de março de 1863 ela foi simultaneamente fretada pela Marinha e mantida em serviço.

Após a queda de Vicksburg, ela participou da expedição que capturou a cidade de Yazoo, Mississippi, em 13 de julho de 1863.

Após o serviço de manutenção das linhas de comunicação e abastecimento da União no Mississippi e seus afluentes até o final da Guerra Civil, o New 'National descomissionou em Mound City, Illinois, em 12 de abril de 1865 e foi devolvido ao seu proprietário.


Miss Mississippi poderia fazer história no concurso de Miss Universo

Asya Branch pode fazer história no domingo como o primeiro nativo do Mississippi a ter o título de Miss Universo e o primeiro Miss EUA a vencer desde 2012.

A primeira Black Miss Mississippi, e a primeira do estado a vencer o Miss EUA, Branch está competindo na 69ª competição Miss Universo, que acontece neste final de semana no Seminole Hard Rock Hotel & amp Casino Hollywood em Hollywood, Flórida. A noite de domingo marca a coroação final após dias de competições de trajes de banho e vestidos de noite.

Branch foi a primeira representante do Mississippi a ganhar o Miss EUA e a primeira mulher negra a receber a coroa do Miss Mississippi EUA em 2019. Se Branch ganhar o Miss Universo no domingo, ela será a primeira nativa do Mississippi a possuir o título e o primeiro Miss EUA para vencer a competição desde 2012.

“Fiquei muito honrado por ter feito história, mas, ao mesmo tempo, pensei:‘ Uau. ainda estamos tendo estreias ’", disse Branch ao Clarion Ledger em Jackson, Mississippi.


Conteúdo

Rajaraja Chola, que encomendou o templo, chamou-o de Rajarajeshwaram (Rajarājeśwaram), literalmente "o templo do deus de Rajaraja". [12] Uma inscrição posterior no santuário Brihannayaki chama a divindade do templo de Periya Udaiya Nayanar, que parece ser a fonte dos nomes modernos Brihadisvara e Peruvudaiyar Kovil. [13]

Brihadishwara (IAST: Bṛihádīśvara) é uma palavra composta sânscrita composta por Brihat que significa "grande, grande, elevado, vasto", [14] e Ishvara significa "senhor, Shiva, ser supremo, supremo atman (alma) ". [15] [16] O nome significa o templo do" grande senhor, grande Shiva ".

O Templo Brihadeswara está localizado na cidade de Thanjavur, cerca de 350 quilômetros (220 milhas) a sudoeste de Chennai. A cidade é conectada diariamente a outras grandes cidades pela rede da Indian Railways, serviços de ônibus Tamil Nadu e as rodovias nacionais 67, 45C, 226 e 226 Extn. [17] [18] O aeroporto mais próximo com serviços regulares é o Aeroporto Internacional de Tiruchirappalli (IATA: TRZ), a cerca de 55 quilômetros (34 milhas) de distância. [19]

A cidade e o templo embora no interior, estão no início do delta do rio Cauveri, assim com acesso à Baía de Bengala e através dela ao Oceano Índico. Junto com os templos, o povo tâmil completou a primeira grande rede de irrigação no século 11 para a agricultura, para o movimento de mercadorias e para controlar o fluxo de água no centro urbano. [20]

Um espectro de estilos de templos hindus continuou a se desenvolver do século 5 ao 9 ao longo da regra da era Chalukya, conforme evidenciado em Aihole, Badami e Pattadakal, e depois com a era Pallava, como testemunhado em Mamallapuram e outros monumentos. Posteriormente, entre 850 e 1280 CE, Cholas emergiu como a dinastia dominante. [2] [21] O início do período Chola viu uma maior ênfase na proteção de suas fronteiras geopolíticas e menos ênfase na arquitetura. No século X, dentro do império Chola surgiram características como as colunas multifacetadas com capitéis quadrados salientes. Isso, afirma George Michell, sinalizou o início do novo estilo Chola. [2] [nota 1] Este estilo do sul da Índia é mais plenamente realizado em escala e detalhes no templo Brihadeshwara construído entre 1003 e 1010 pelo rei Chola Rajaraja I. [1] [2]

Adições, renovações e reparos Editar

O templo principal e seus gopurams são do início do século XI. O templo também passou por acréscimos, renovações e reparos nos próximos 1.000 anos. Os ataques e guerras, especialmente entre sultões muçulmanos que controlavam Madurai e reis hindus que controlavam Thanjavur, causaram danos. [8] [nota 2] Estes foram reparados por dinastias hindus que recuperaram o controle. Em alguns casos, os governantes tentaram renovar o templo com pinturas desbotadas, encomendando novos murais sobre os mais antigos. Em outros casos, eles patrocinaram a adição de santuários. Os santuários importantes de Kartikeya (Murugan), Parvati (Amã) e Nandi datam da era Nayaka dos séculos XVI e XVII. [8] [25] Da mesma forma, o santuário Dakshinamurti foi construído mais tarde. [25] Foi bem mantido por Marathas de Tanjore

Edição de Arquitetura

O plano e desenvolvimento do templo Brihadeshvara utiliza as regras de geometria axial e simétrica. [26] É classificado como Perunkoil (também chamado de Madakkoil), um grande templo construído em uma plataforma mais alta de montículos naturais ou artificiais. [27] O complexo do templo é um retângulo com quase dois quadrados empilhados, cobrindo 240,79 metros (790,0 pés) de leste a oeste e 121,92 metros (400,0 pés) de norte a sul. Neste espaço estão cinco seções principais: o santuário com a superestrutura imponente (sri vimana), o salão Nandi em frente (Nandi-mandapam) e entre estes o salão comunitário principal (mukhamandapam), o grande salão de reunião (Mahamandapam) e o pavilhão que conecta o grande salão com o santuário (ardhamandapam). [28]

O complexo do templo integra uma grande varanda coberta com pilares (prakara) no seu amplo pátio, com perímetro de cerca de 450 metros (1.480 pés) para circumambulação. Do lado de fora dessa varanda com pilares, há duas paredes de cerco, a externa sendo defensiva e adicionada em 1777 dC pelas forças coloniais francesas com buracos de armas com o templo servindo como um arsenal. Eles fizeram a parede externa alta, isolando a área do complexo do templo. Em sua extremidade leste está o gopuram principal original ou portal que é abobadado. Tem menos da metade do tamanho do templo principal vimana. Estruturas adicionais foram adicionadas ao templo original após o século 11, como uma mandapa em seu canto nordeste e gopurams (portais) adicionais em seus perímetros para permitir que as pessoas entrem e saiam de vários locais. [28] [29] Alguns dos santuários e estruturas foram adicionados durante a era Pandya, Nayaka, Vijayanagara e Maratha, antes do início da era colonial, e esses construtores respeitaram os planos originais e as regras de simetria. Dentro do pátio do templo original, junto com o santuário principal e Nandi-mandapam estão dois santuários principais, um para Kartikeya e para Parvati. O complexo possui outros santuários menores. [28] [30] [31]

O templo Brihadisvara deu continuidade às tradições dos templos hindus do sul da Índia, adotando elementos arquitetônicos e decorativos, mas sua escala excedeu significativamente os templos construídos antes do século XI. Os arquitetos e artesãos da era Chola inovaram a experiência para escalar e construir, especialmente com pedras pesadas e para atingir 63,4 metros (208 pés) de altura vimana. [30] [28]

O templo está voltado para o leste e já teve um fosso de água ao seu redor. Isso foi preenchido. A parede fortificada agora contorna este fosso. As duas paredes têm portões ornamentados chamados gopurams. Estes são feitos de pedra e exibem entablamento. Os portões principais estão no lado leste. O primeiro é chamado de Keralantakan Tiruvasal, que significa o "portal sagrado do Keralantakan". A palavra Keralantakan era o sobrenome do rei Rajaraja que o construiu. Cerca de 100 metros (330 pés) à frente está o gopuram do pátio interno chamado de Rajarajan tiruvasal. Isso é mais decorado do que o Keralantakan Tiruvasal, como com seu Adhishthanam trabalho de relevo narrando cenas dos Puranas e outros textos hindus. [28] O gopuram oriental interno leva a um vasto pátio, no qual os santuários são todos assinalados nas direções cardeais leste-oeste e noroeste. O complexo pode ser acessado em um eixo por meio de um gopuram de cinco andares ou com um segundo acesso diretamente ao enorme quadrilátero principal por meio de um gopuram independente menor. O gopuram da entrada principal tem 30 m de altura, menor que o vimana. [10]

Os principais monumentos relacionados ao templo e a grande torre estão no meio deste pátio. [28] Em torno do templo principal dedicado a Shiva, existem santuários menores, a maioria dos quais alinhados axialmente. Estes são dedicados a sua consorte Parvati, seus filhos Subrahmanya e Ganesha, Nandi, Varahi, Karuvur deva (o guru de Rajaraja Chola), Chandeshvara e Nataraja. [10] O Nandi mandapam tem um touro monolítico sentado de frente para o santuário. Entre eles estão as escadas que conduzem a uma varanda com colunas e salão de reunião da comunidade, em seguida, uma mandapa interna conectando-se ao pradakshina patha, ou caminho de circunvolução. O Nandi (touro) que enfrenta o mukh-mandapam pesa cerca de 25 toneladas. [32] É feito de uma única pedra e tem cerca de 2 m de altura, 6 m de comprimento e 2,5 m de largura. A imagem de Nandi é monolítica e uma das maiores do país. [33]

Sanctum e a edição de Sri-vimana

O santuário fica no centro da praça oeste. É cercado por paredes maciças que são divididas em níveis por esculturas e pilastras bem recortadas que fornecem vãos e reentrâncias profundas. Cada lado do santuário possui uma baía com iconografia. [34] [26] O interior do sanctum sanctorum hospeda uma imagem da divindade primária, Shiva, na forma de uma enorme linga de pedra. É chamado de Karuvarai, uma palavra tâmil que significa "câmara do útero". Este espaço é chamado garbha griha em outras partes da Índia. Apenas os sacerdotes têm permissão para entrar nesta câmara mais interna. [35]

No estilo Dravida, o santuário assume a forma de um vimana em miniatura. Tem a parede interna junto com a parede externa criando um caminho ao redor do santuário para circunvolução (pradakshina). A entrada é muito decorada. A câmara interna é o sanctum sanctorum, que abriga o brihad linga. [2]

O Vimana principal (Shikhara) é uma torre maciça de 16 andares, dos quais 13 são quadrados estreitos. Ele domina o quadrilátero principal. Ele fica acima de um quadrado de 30,18 metros (99,0 pés). [34] A torre é elaboradamente articulada com pilastra, pilares (uma estrutura elevada) e colunas fixas que são colocadas ritmicamente cobrindo todas as superfícies do vimana. [36]

Divindades e Natya Sastra dançam mudras Editar

O templo é dedicado a Shiva na forma de um enorme linga, sua representação anicônica abstrata. Tem 8,7 m (29 pés) de altura, ocupando dois andares do santuário. [3] [9] É uma das maiores esculturas monolíticas de linga da Índia. [33]

Esculturas no maha-mandapam paredes [38]
lado norte lado sul
Bhairava (Shiva) Ganesha
Mahishasuramardini (Durga) Vishnu
Saraswati Gajalakshmi

O templo Shaivism celebra todas as principais tradições hindus, incluindo as divindades primárias do Vaishnavism e Shaktism tradição no grande mandapa do templo principal. A distribuição das divindades é geralmente simétrica, exceto para o lado leste da entrada que fornece a porta e a passagem. Além das divindades principais, cada lado fornece dvarapalas (guardiões), e várias outras esculturas. O vestíbulo tem três esculturas de pedra primorosamente entalhadas e pinturas murais. [38] As paredes do santuário no andar térreo têm as seguintes esculturas: [38]

  • Parede leste: Lingodbhava, Shiva em pé, Pashupata-murti, mais dois dvarapalas flanqueando o caminho de ardha-mandapam
  • Parede sul: Bhikshatana, Virabhadra, Dakshinamurti, Kalantaka, Nataraja [nota 3] mais dois dvarapalas
  • Parede oeste: Harihara (metade Shiva, metade Vishnu), Lingodbhava, Chandrashekhara sem Prabhavali, Chandrashekhara com Prabhavali, mais dois dvarapalas
  • Parede norte: Ardhanarishvara (metade Shiva, metade Parvati), Gangadhara sem Parvati, Pashupata-murti, Shiva-alingana-murti, mais dois dvarapalas

No segundo andar, a forma Tripurantaka de Shiva em diferentes posturas é retratada correspondendo a essas esculturas. Acima desses andares, o sri-vimana torres acima em treze andares (talas) Acima desses andares está um único bloco quadrado de peso de granito 80 toneladase 7,77 metros (25,5 pés) de lado. No topo deste bloco, em seus cantos estão pares de Nandi, cada um com cerca de 1,98 metros (6 pés 6 pol.) Por 1,68 metros (5 pés 6 pol.) De dimensão. Acima do centro deste bloco de granito ergue-se o griva, a Sikhara e o remate (estupi) da arquitetura do templo hindu Tamil. Esse estupi tem 3,81 metros (12,5 pés) de altura e era originalmente coberto com ouro (não mais). o Sikhara no topo é em forma de cúpula e pesa 25 toneladas. [38] [39] Cada andar desta torre é decorado com kutas e salas. A arquitetura da torre de quadrados reduzidos deste templo difere da torre do templo Chola em Gangaikondasolisvaram, porque é reta em contraste com a última, que é curvilínea. A magnitude do sri-vimana do templo tornou-o um marco histórico para a cidade. [38] A parede do corredor do andar superior do aditala é esculpido com 81 das 108 danças karanas - posturas de Natya Sastra. Este texto é a base do Bharathanatyam, a dança clássica de Tamil Nadu. Os 27 não representados karanas são blocos de pedra em branco e não está claro por que eles não foram esculpidos. As 81 posturas esculpidas sugerem o significado desta forma de dança clássica indiana no início do século XI. [9]

O garbhagriha é quadrado e fica em um pedestal. Este é moldado e tem 0,5 metros (1 pé 8 pol.) De espessura. Isso consiste de Upapitham e Adhishthanam, respectivamente com 140 cm e 360 ​​cm de espessura. [9]

Mandapa Edit

As duas mandapa, a saber maha-mandapa e mukha-mandapa, são estruturas planas quadradas axialmente alinhadas entre o santuário e o Nandi mandapa. o maha-mandapa tem seis pilares de cada lado. [40] Isso também tem obras de arte. Os bronze Vitankar e Rajaraja I estão aqui, mas foram adicionados muito mais tarde. o maha-mandapa é flanqueado por dois dvarapalas de pedra gigantes. Está ligado ao mukha-mandapa por escadas. A entrada do mukha-mandapa também tem dvarapalas. Com a mandapa estão oito pequenos santuários para dikpalas, ou divindades guardiãs de cada direção, como Agni, Indra, Varuna, Kubera e outros. Estes foram instalados durante o governo do rei Chola Rajendra I. [40]

As inscrições indicam que essa área também tinha outras iconografias das principais tradições hindus durante a era Chola, mas agora estão faltando. Os oito santuários originais incluíam aqueles para Surya (o deus do sol), Saptamatrikas (sete mães), Ganesha, Kartikeya, Jyeshtha, Chandra (o deus da lua), Chandeshvara e Bhairava. [40] Da mesma forma, na parede ocidental, a cella foi um maciço granito Ganesha construído durante a era Rajaraja I, mas que agora é encontrado no tiruch-churru-maligai (varanda sul). Das sete mães da tradição do Shaktismo, apenas Varahi sobrevive em uma forma quebrada. Seus restos agora são encontrados em um pequeno "santuário Varahi" de tijolos da era moderna, no lado sul do pátio. A versão original dos outros, juntamente com seus santuários originais de Chola, estão faltando. [40]


Novo SaStr Nacional - História

Naturopatia é um sistema de saúde com uma história profunda de filosofias e práticas tradicionais, médicos treinados e uma variedade de opções de tratamento natural para atender os pacientes.

História Naturopática

A naturopatia faz parte da Alemanha há séculos. Muitos dos princípios e filosofias da naturopatia se originaram na Alemanha e na Europa nos séculos 16 e 17. Os naturopatas originais & # 8211 antes de 1900 & # 8211 de todo o mundo, foram treinados por médicos europeus usando hidroterapia, fitoterapia e outras formas tradicionais de cura. Atualmente, os países europeus consideram sua prática da naturopatia como um sistema de saúde que evoluiu ao incorporar a medicina tradicional de cada país aos princípios, teorias, modalidades e tradições naturopáticas que foram codificadas na América do Norte. As formas tradicionais de ensino e prática naturopática ainda são comuns na Europa.

A América do Norte é considerada o lar da moderna naturopatia, ou medicina naturopática. A maioria das escolas norte-americanas são credenciadas pelo governo e todas as regiões da América do Norte estão trabalhando em direção a regulamentação ou licenciamento (com 50% das províncias canadenses e 38% de todos os estados / regiões dos EUA regulamentados). Existem fortes associações naturopáticas nacionais e regionais, pesquisas naturopatas em andamento e grupos e periódicos especializados para apoiar a prática da medicina naturopática. A América do Norte é creditada por codificar os princípios naturopáticos e por contribuir com algumas das teorias e práticas estabelecidas que agora são usadas em todo o mundo.

Ao longo de sua história, a naturopatia / medicina naturopática é introduzida em um país quando um naturopata / médico naturopata que foi treinado na América do Norte ou na Europa se muda e leva consigo suas habilidades. Há uma síntese da formação europeia ou norte-americana com os sistemas tradicionais de medicina de seu país. Por exemplo, a naturopatia foi introduzida na Índia depois que um médico foi treinado por naturopatas na Europa, dois dos entrevistados do Sudeste Asiático indicaram que foram originalmente treinados nos EUA.

A Federação Naturopática Mundial está atualmente passando por um projeto de pesquisa para esclarecer e codificar as raízes históricas da naturopatia em todo o mundo.

Princípios Naturopáticos

Embora tenha havido historicamente amplas discussões sobre os princípios e a prática da medicina naturopática, não houve nenhum processo de codificação formal até 1986, quando a Associação Americana de Médicos Naturopatas (AANP) formou um comitê que consistia dos médicos naturopatas Pamela Snider, Jared Zeff e outros . Esses profissionais passaram mais de três anos revisando os dados e documentos históricos e entrevistando mais de 1.000 pessoas. Em 1989, uma definição de medicina naturopática e a descrição dos seis princípios naturopatas foram formalmente codificadas e aceitas pelas duas associações naturopatas nacionais norte-americanas (American Association of Naturopathic Physicians (AANP) e Canadian Association of Naturopathic Doctors (CAND)). Com base na pesquisa global de força de trabalho naturopata de 2014/2015, esses princípios parecem ter reconhecimento e aceitação internacional.

Os princípios naturopáticos ensinados na maioria dos países incluem:

  • Primeiro nao faça nenhum mal (primum non nocere)
  • Poder de Cura da Natureza (vis medicatrixnaturae)
  • Trate a causa (tollecausam)
  • Trate a pessoa inteira (tolletotum)
  • Doutor como Professor (docere)
  • Prevenção de doenças e promoção da saúde
  • Bem estar

Teorias Naturopáticas

Existem várias teorias naturopáticas praticadas em todo o mundo, incluindo:

  • Teoria Humoral
  • Ordem Terapêutica
  • Emunctories
  • Teoria de Sistemas Complexos

Modalidades Naturopáticas

As modalidades ou terapias naturopáticas usadas em todo o mundo variam de acordo com o país. Algumas das modalidades naturopáticas mais comuns incluem:

  • Nutrição Clínica
  • Medicina botânica (fitoterapia)
  • Medicina Homeopática
  • Medicina Tradicional Chinesa / Acupuntura
  • Medicina Física
  • Hidroterapia e cura com água # 8211
  • Prevenção e aconselhamento de estilo de vida
  • Terapia de higiene
  • Cura natural

Alguns médicos naturopatas terão treinamento adicional em outras terapias naturais, como:

  • Medicina ayurvédica
  • Direitos de Prescrição
  • IV Terapias
  • Terapia de quelação
  • Pequena cirurgia
  • Terapia do cólon

Regulamento Naturopático Global

A naturopatia é praticada em todas as regiões do mundo, abrangendo mais de oitenta países. A regulamentação legal da profissão naturopata existe atualmente em jurisdições na América do Norte, Índia, Europa e América Latina. Para ser um membro pleno da WNF, as associações devem apoiar e trabalhar em prol da regulamentação. Eles também devem apoiar o credenciamento educacional e o avanço dos padrões educacionais.

Processo regulatório naturopático
A regulamentação estatutária da naturopatia, como todos os profissionais, está fortemente correlacionada com os padrões educacionais e é influenciada pelo cenário político de cada país e pela regulamentação de outros sistemas tradicionais e complementares de medicina na região. Cada país ou região que possui regulamentação é apoiado por uma associação profissional de naturopatas. Para aqueles países / regiões que ainda não têm regulamentação, o WNF incentiva que as associações naturopatas profissionais se envolvam em atividades de autogovernança que protejam o público enquanto trabalham em prol da regulamentação.

Visão geral da regulamentação estatutária naturopática globalmente
A regulamentação dos praticantes naturopatas é diversa. Abrange Técnicos Naturopatas, Naturopatas Licenciados, Diploma em Naturopatia e Médicos Naturopatas. Os praticantes de naturopatia na Europa são chamados de Heilpraktiker ou Naturopatas. Na América do Norte e na Índia, os praticantes naturopatas são regulamentados como médicos naturopatas e / ou médicos naturopatas. Na América Latina, existe regulamentação para Técnicos Naturopatas e Doutores em Naturopatia. Essa diferença reflete as diferenças educacionais, embora a filosofia e os princípios fundamentais sejam os mesmos.


Pré-história

Paleolítico

As pinturas em cavernas paleolíticas e neolíticas de 30.000 anos no local do patrimônio mundial da UNESCO nos abrigos de pedra de Bhimbetka em Madhya Pradesh mostram um tipo de dança. [1] A arte da caverna mesolítica e calcolítica de Bhimbhetka ilustra instrumentos musicais muito simples, como tambores de rock e outros instrumentos simples. [2]

Neolítico

Era calcolítica (4000 aC em diante) barras estreitas em forma de celtas de pedra polida como instrumentos musicais, um dos primeiros instrumentos musicais na Índia, foram escavados em Sankarjang no distrito Angul de Odisha. [3] Há evidências históricas na forma de evidências esculturais, ou seja, instrumentos musicais, cantando e dançando posturas de donzelas nas Cavernas Ranigumpha em Khandagiri e Udayagiri em Bhubaneswar.

Civilização do vale do rio Indo

A escultura da Garota Dançarina (2500 aC) foi encontrada no site da Civilização do Vale do Indo (IVC). [4] [5] [6] [7] Existem pinturas da era IVC em cerâmica de um homem com um dhol pendurado no pescoço e uma mulher segurando um tambor sob o braço esquerdo. [8]

Era védica e antiga

Os Vedas (c. 1500 - c. 800 AC, período védico) [9] [10] [11] [12] documentam rituais com artes cênicas e jogos. [13] [14] Por exemplo, Shatapatha Brahmana (

800–700 AEC) tem versículos no capítulo 13.2 escritos na forma de uma peça entre dois atores. [13] Tala ou taal é um conceito de música antigo rastreável a textos da era védica do hinduísmo, como o Samaveda e métodos para cantar os hinos védicos. [15] [16] [17] Smriti (500 aC a 100 aC) textos hindus pós-védicos [18] [19] [20] incluem o Ramayana de Valmiki (500 aC a 100 aC) que menciona dança e música (dança de Apsaras como Urvashi, Rambha, Menaka, Tilottama Panchāpsaras e as esposas de Ravana com excelência em nrityageeta ou "cantando e dançando" e nritavaditra ou "tocar instrumentos musicais"), música e canto de Gandharvas, vários instrumentos de cordas (vina, tantri, bīn, vipanci e Vallaki igual a Veena), instrumentos de sopro (shankha, venu e venugana - provavelmente um órgão da boca feito ao amarrar várias flautas juntas), raga (incluindo Kaushika tal como raag kaushik dhwani), registros vocais (sete svara ou sur, ana ou ekashurti arraste a nota, Murchana a ascensão e queda reguladas de voz em matra e tripramana triplo adolescente taal laya tal como drut ou rápido, madhya ou meio, e vilambita ou lento), recitação de poesia em Bala Kanda e também em Uttara Kanda por Luv e Kusha em marga estilo. [21]

A partir da primeira obra conhecida Tholkappiyam (500 aC), existem várias referências à música e Panns na antiga literatura pré-Sangam e Sangam a partir da primeira obra conhecida Tholkappiyam (500 aC). Entre a literatura Sangam, Mathuraikkanci refere-se a mulheres cantando Sevvazhi Pann para invocar a misericórdia de Deus durante o parto. No Tolkappiyam, as cinco paisagens da literatura Sangam tiveram cada uma associada Pann, cada um descrevendo o clima da música associada a essa paisagem. Entre os numerosos panns que encontram menção na antiga literatura Tamil são, Ambal Pann, que é adequado para ser tocado na flauta, Sevvazhi Pann no Yazh (alaúde), Nottiram e Sevvazhi expressando pathos, o cativante Kurinji pann e o revigorante Murudappann. Pann (Tamil: பண்) é o modo melódico usado pelo povo Tamil em sua música desde os tempos antigos. O ancião panns ao longo dos séculos evoluiu primeiro para uma escala pentatônica e depois para o Carnatic Sargam de sete notas. Mas desde os primeiros tempos, a música Tamil é heptatônica e conhecida como Ezhisai (ஏழிசை). [22]

O poeta santo sânscrito Jayadeva, que foi o grande compositor e ilustre mestre da música clássica, moldou Odra-Magadhi estilo musical e teve grande influência no Odissi Sangita. [23] [24]

Śārṅgadeva compôs Sangita-Ratnakara, um dos mais importantes textos musicológicos sânscritos da Índia, [25] [26] que é considerado o texto definitivo tanto na música hindustani quanto nas tradições carnáticas da música clássica indiana. [27] [28]

O poeta assamês Madhava Kandali, escritor de Saptakanda Ramayana, lista vários instrumentos em sua versão do "Ramayana", como mardala, khumuchi, bhemachi, dagar, gratal, ramtal, tabal, jhajhar, jinjiri, bheri mahari, tokari, dosari, kendara, dotara, vina, rudra-vipanchi, etc. (o que significa que esses instrumentos existiram desde seu tempo em Século 14 ou anterior). [29] O sistema indiano de notação é talvez o mais antigo e elaborado do mundo. [30]

Era medieval

No início do século 14 sob os Khiljis, havia concertos e competições entre músicos hindustanis e carnáticos. [31]

Século vinte

No início dos anos 1960, os pioneiros do jazz, como John Coltrane e George Harrison, colaboraram com instrumentistas indianos e começaram a usar instrumentos indianos, como a cítara, em suas canções. No final dos anos 1970 e início dos 1980, as fusões do rock and roll com a música indiana eram bem conhecidas na Europa e na América do Norte. No final dos anos 1980, os artistas índio-britânicos fundiram as tradições indianas e ocidentais para criar o underground asiático. No novo milênio, o hip-hop americano apresentou filmes indianos e bhangra. Artistas do hip-hop convencionais fizeram amostras de músicas de filmes de Bollywood e colaboraram com artistas indianos, como "Flauta Indiana" de Timbaland

As duas principais tradições da música clássica indiana são a música carnática, praticada predominantemente nas regiões peninsulares (sul), e a música hindustani, encontrada nas regiões norte, leste e centro. Os conceitos básicos desta música incluem Shruti (microtons), Swaras (notas), Alankar (ornamentações), Raga (melodias improvisadas a partir de gramáticas básicas) e Tala (padrões rítmicos usados ​​na percussão). Seu sistema tonal divide a oitava em 22 segmentos chamados Shrutis, nem todos iguais, mas cada um deles aproximadamente igual a um quarto de um tom inteiro da música ocidental. Ambas as músicas clássicas estão baseadas nos fundamentos das sete notas da música clássica indiana. Essas sete notas também são chamadas de Sapta svara ou Sapta Sur. Esses sete svaras são Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha e Ni, respectivamente. Esses Sapta Svaras são escritos como Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha e Ni, mas são formas abreviadas de Shadja (षड्ज), Rishabha (ऋषभ), Gandhara (गान्धार), Madhyama (मध्यम), Panchama (पंचम), Dhaivata (धैवत) e Nishada (निषाद) respectivamente. [33] Estes também são equivalentes a Do, Re, Mi, Fa, So, La, Ti. Somente esses sete svaras desenvolveram a música clássica hindustani e a música clássica carnática. Esses sete svaras são os fundamentos de uma raga. Esses sete svaras, sem nenhuma variação, são chamados de Shuddha svaras. Variações nestes svaras fazem com que sejam Komal e Tivra svaras. Todos os outros svaras, exceto Sadja (Sa) e Pancham (Pa) podem ser Komal ou Tivra svaras, mas Sa e Pa são sempre Shuddha svaras. E, portanto, svaras Sa e Pa são chamados Achal Svaras, uma vez que esses svaras não se movem de sua posição original, enquanto os svaras Ra, Ga, Ma, Dha, Ni são chamados Chal Svaras, uma vez que esses svaras se movem de sua posição original.

A Sangeet Natak Academy reconhece oito formas clássicas de dança e música, nomeadamente Bharatanatyam, Kathak, Kuchipudi, Odissi, Kathakali, Sattriya, Manipuri e Mohiniyattam. [34] Além disso, o Ministério da Cultura da Índia também inclui Chhau em sua lista clássica.

Musica carnatica

A música carnática remonta aos séculos 14 a 15 dC e depois. Ele se originou no sul da Índia durante o governo do Império Vijayanagar através dos Keerthanas compostos por Purandara Dasa. Como a música hindustani, é melódica, com variações improvisadas, mas tende a ter composições mais fixas. Consiste em uma composição com enfeites improvisados ​​adicionados à peça nas formas de Raga Alapana, Kalpanaswaram, Neraval e, no caso de alunos mais avançados, Ragam Thanam Pallavi. A ênfase principal está nos vocais, já que a maioria das composições são escritas para serem cantadas e, mesmo quando tocadas em instrumentos, devem ser executadas em um estilo de canto (conhecido como gāyaki) Cerca de 300 ragams estão em uso hoje. Annamayya é o primeiro compositor conhecido da música carnática. Ele é amplamente considerado como o Andhra Pada kavitā Pitāmaha (Padrinho da escrita de canções em Telugu). Purandara Dasa é considerado o pai da música carnática, enquanto os músicos posteriores Tyagaraja, Shyama Shastry e Muthuswami Dikshitar são considerados a trindade da música carnática. [ citação necessária ]

Todo mês de dezembro, a cidade de Chennai, na Índia, tem sua temporada musical de oito semanas, que é o maior evento cultural do mundo. [35]

A música carnática serviu de base para a maior parte da música no sul da Índia, incluindo música folclórica, música de festival e também estendeu sua influência à música para cinema nos últimos 100-150 anos ou mais.

Música hindustani

A tradição da música Hindustani remonta aos tempos védicos, onde os hinos do Sama Veda, um antigo texto religioso, eram cantados como Samagana e não cantados. Ele divergiu da música carnática por volta dos séculos 13 a 14 dC, principalmente devido às influências islâmicas. [ citação necessária ] Desenvolvendo uma tradição forte e diversa ao longo de vários séculos, possui tradições contemporâneas estabelecidas principalmente na Índia, mas também no Paquistão e em Bangladesh. Em contraste com a música carnática, a outra principal tradição da música clássica indiana originária do sul, a música hindustani não foi apenas influenciada por antigas tradições musicais hindus, filosofia védica histórica e sons indianos nativos, mas também enriquecida pelas práticas de performance persas dos mogóis. Os gêneros clássicos são dhrupad, dhamar, khyal, tarana e sadra, e também existem várias formas semi-clássicas.

A raiz do nome música arnática C (K) é derivada do sânscrito. Karnam significa ouvidos e Atakam significa aquilo que é doce ou aquilo que permanece.

Musica classica leve

Existem muitos tipos de música que se enquadram na categoria de clássico leve ou semiclássico. Algumas das formas são Thumri, Dadra, Bhajan, Ghazal, Chaiti, Kajri, Tappa, Natya Sangeet e Qawwali. Essas formas enfatizam a busca explícita das emoções do público, em oposição às formas clássicas.

Tamang Selo

Este é um gênero musical do povo Tamang e popular entre a comunidade de língua nepalesa em West Bengal, Sikkim, Índia e em todo o mundo. É acompanhado por instrumentos Tamang, o Madal, Damphu e Tungna, embora hoje em dia os músicos se tenham familiarizado com instrumentos modernos. Um Tamang Selo pode ser cativante e animado ou lento e melodioso, e geralmente é cantado para transmitir tristeza, amor, felicidade ou incidentes do dia-a-dia e histórias do folclore. [36]

Hira Devi Waiba é aclamada como a pioneira das canções folclóricas do Nepal e do Tamang Selo. Sua música 'Chura ta Hoina Astura' (चुरा त होइन अस्तुरा) é considerada a primeira Tamang Selo já gravada. Ela cantou quase 300 canções ao longo de sua carreira musical de 40 anos. [37] [38] Após a morte de Waiba em 2011, seu filho Satya Aditya Waiba (produtor / empresário) e Navneet Aditya Waiba (cantora) colaboraram e regravaram suas canções mais icônicas e lançaram um álbum intitulado Ama Lai Shraddhanjali (आमालाई श्रद्धाञ्जली- Tributo à Mãe). [39] [40] [41] A dupla são os únicos indivíduos no gênero de música folclórica nepalesa que produzem canções folclóricas tradicionais autênticas do Nepal sem adulteração ou modernização. [42] [43]

Bhangra e Giddha

Bhangra (Punjabi: ਭੰਗੜਾ) é uma forma de música folclórica de Punjab orientada para a dança. O presente musical

O estilo é derivado do acompanhamento musical não tradicional aos riffs do Punjab chamados pelo mesmo nome. A dança feminina da região de Punjab é conhecida como Giddha (Punjabi: ਗਿੱਧਾ).

Bihu e Borgeet

Bihu (Assamês: বিহু) é o festival do Ano Novo de Assam que ocorre em meados de abril. Este é um festival da natureza e da mãe terra onde o primeiro dia é para as vacas e os búfalos. O segundo dia do festival é para o homem. As danças e canções Bihu acompanhadas por tambores tradicionais e instrumentos de sopro são uma parte essencial deste festival. As canções Bihu são enérgicas e com batidas para dar as boas-vindas à festiva primavera. Tambores assameses (dhol), Pepa (geralmente feito de chifre de búfalo), Gogona são os principais instrumentos usados. [44] [45]

Borgeets (Assamês: বৰগীত) são canções líricas definidas para ragas específicas, mas não necessariamente para qualquer tala. Essas canções, compostas por Srimanta Sankardeva e Madhavdeva nos séculos 15 a 16, são usadas para iniciar serviços de oração em mosteiros, por exemplo, Satra e Namghar associados ao Ekasarana Dharma e também pertencem ao repertório da Música de Assam fora do contexto religioso. São uma linha lírica que expressa os sentimentos religiosos dos poetas reagindo a diferentes situações, e diferem de outras letras associadas ao Ekasarana Dharma.

Instrumentos proeminentes usados ​​em borgeets são Negera,Taal, Khols etc. [46]

Dandiya

Dandiya ou Raas é uma forma de dança cultural Gujarati que é executada com varas. O estilo musical atual é derivado do acompanhamento musical tradicional à dança folclórica. É praticado principalmente no estado de Gujarat. Há também outro tipo de dança e música associada a Dandiya / Raas, chamada Garba.

Gaana

Gaana é uma "coleção de ritmos, batidas e sensibilidades nativas dos dalits de Chennai", como o rap. [47] [48] Ele evoluiu ao longo dos últimos dois séculos, combinando influências da siddhars (adeptos tântricos) de antigos Tamilakam, santos Tamil Sufi e muito mais. [47] As canções de Gaana são executadas em casamentos, shows, comícios políticos e funerais. Os performers cantam sobre uma ampla gama de tópicos, mas a essência de gaana é considerada "angústia e melancolia" com base nas lutas da vida. [47] Nas últimas décadas, o gênero entrou na música da indústria cinematográfica tâmil dominante e ganhou popularidade. [47] [49] Bandas gaana contemporâneas como The Casteless Collective estão trazendo o gênero para novos públicos enquanto o usam para o ativismo social, especialmente contra a discriminação de casta. [47]

Haryanvi

A música folclórica Haryana tem duas formas principais: música folclórica clássica de Haryana e música folclórica desi de Haryana (música country de Haryana). [50] Eles assumem a forma de baladas e dores de despedida de amantes, valor e bravura, colheita e felicidade. [51] Haryana é rica em tradição musical e até mesmo lugares foram nomeados após ragas, por exemplo, o distrito de Charkhi Dadri tem muitas aldeias nomeadas como Nandyam, Sarangpur, Bilawala, Brindabana, Todi, Asaveri, Jaisri, Malakoshna, Hindola, Bhairvi e Gopi Kalyana . [50] [52]

Himachali

A música folclórica de Himachal varia de acordo com o evento ou festival. Um dos estilos de música mais populares é Nati Music, Onde nati sendo a dança tradicional que é feita na música. A Nati Music é geralmente comemorativa e feita em feiras ou outras ocasiões, como casamentos.

Jhumair e Domkach

Jhumair e Domkach são música folclórica Nagpuri. Os instrumentos musicais usados ​​na música e dança folclórica são Dhol, Mandar, Bansi, Nagara, Dhak, Shehnai, Khartal, Narsinga etc. [53] [54]

Lavani

Lavani vem da palavra Lavanya que significa "beleza". Esta é uma das formas mais populares de dança e música praticada em todo o Maharashtra. Na verdade, tornou-se uma parte necessária das apresentações de dança folclórica do Maharashtrian. Tradicionalmente, as canções são cantadas por artistas femininas, mas os artistas masculinos podem ocasionalmente cantar Lavanis. O formato de dança associado a Lavani é conhecido como Tamasha. Lavani é uma combinação de música e dança tradicionais, que se apresentou especialmente com as batidas encantadoras de 'Dholaki', um instrumento semelhante a um tambor. A dança é executada por mulheres atraentes vestindo sáris de nove metros. Eles são cantados em um ritmo rápido. Lavani se originou na região árida de Maharashtra e Madhya Pradesh.

Manipuri

A música de Manipur e a dança de Manipuri são herança do povo Manipuri. De acordo com a tradição do povo Manipuri nos contrafortes e vales do Himalaia que conectam a Índia à Birmânia, eles são os Gandharvas (músicos e dançarinos celestiais) nos textos védicos, [55] e textos históricos do povo Manipuri chamam a região de Gandharva-desa. [56] O Védico Usha, a deusa do amanhecer, é um motivo cultural para as mulheres Manipuri e, na tradição indiana, era Usha que criou e ensinou a arte da dança feminina para meninas. [56] Esta tradição oral da dança feminina é celebrada como Chingkheirol na tradição Manipuri. [56]

Os antigos textos sânscritos, como o épico do Mahabharata, mencionam Manipur, onde Arjuna conhece e se apaixona por Chitragada. [55] Dança é chamada Jagoi em uma das principais línguas Meitei da região e traça uma longa tradição em Manipur. A dança Lai Haraoba provavelmente tem raízes antigas e compartilha muitas semelhanças com as posturas de dança de Nataraja e seu lendário discípulo chamado Tandu (chamado localmente Tangkhu) [56] [55] Da mesma forma, assim como a dança relacionada ao plebeu Khamba e princesa Thoibi - que atuam como Shiva e Parvati pan-indianos, na lendária e trágica história de amor de Khamba-Thoibi encontrada no épico Manipuri Moirang Parba. [55] [56] [57]

Musica marfa

Hadrani Marfa, ou simplesmente música Marfa, introduzida durante o século 18 no estado de Hyderabad pela comunidade Siddi da África Oriental a partir da música afro-árabe de Hadhramawt no Iêmen, é uma forma de música rítmica e dança comemorativa entre os muçulmanos Hyderabadi, tocada em ritmo acelerado usando Instrumento Marfa, daff, Dhol, paus, [58] [59] potes de aço e tiras de madeira chamados thapi. [60]

A música mizo se originou quando os dísticos foram desenvolvidos durante a colonização de Thantlang na Birmânia entre 1300 e 1400 dC, e as canções folclóricas desenvolvidas durante este período foram dar hla (canções de gong) Bawh hla (cantos de guerra), Hlado (cantos de caça) Nauawih hla (Canções de berço) Um maior desenvolvimento das canções pode ser visto a partir da colonização de Lentlang na Birmânia, estimada entre o final do século 15 e o século 17 dC. [61] O Mizo ocupou o atual Mizoram desde o final do século XVII. O período pré-colonial, que vai do século 18 ao 19, foi outra época importante na história da literatura popular de Mizo. Antes da anexação pelo governo britânico, os Mizo ocuparam a atual Mizoram por dois séculos. Em comparação com as canções folclóricas de Thantlang e da colonização Lentlang, as canções desse período são mais desenvolvidas em número, forma e conteúdo. As linguagens são mais refinadas e os fluxos também melhores. A maioria das canções desse período tem o nome de seus compositores.

Odissi

Jayadeva, o sânscrito poeta do século 12, o grande compositor e ilustre mestre da música clássica, deu imensa contribuição à música Odissi. Durante o tempo dele Odra-Magadhi a música de estilo tomou forma e alcançou seu status clássico. Ele indicou os ragas clássicos prevalecentes na época em que deveriam ser cantados. Antes disso, havia a tradição de Chhanda que era simples no esboço musical. Do século 16 em diante, os tratados de música [23] [24] foram Sangitamava Chandrika, Gita Prakasha, Sangita Kalalata e Natya Manorama. Alguns tratados a saber, Sangita Sarani e Sangi Narayana, também foram escritos no início do século XIX.

Odissi Sangita compreende quatro classes de música, nomeadamente Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala e Panchal, descrito nos antigos textos de música oriya. O chefe Odissi e Shokabaradi. Odissi Sangita (música) é uma síntese de quatro classes de música, ou seja, Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala e Panchal, descrito nos textos acima mencionados.

Os grandes expoentes [23] [24] da música Odissi nos tempos modernos são o Late Singhari Shyamasundara Kar, Markandeya Mahapatra, Kashinath Pujapanda, Balakrushna Das, Gopal Chandra Panda, Ramhari Das, Bhubaneswari Misra, Shymamani Devi e Sunanda Patnaik, que alcançaram eminência na música clássica.

Rabindra Sangeet (música de Bengala)

Rabindra Sangeet (bengali: রবীন্দ্রসঙ্গীত Robindro Shonggit, Pronúncia do bengali: [ɾobindɾo ʃoŋɡit]), também conhecidas como canções Tagore, são canções escritas e compostas por Rabindranath Tagore. Eles têm características distintas na música de Bengala, popular na Índia e em Bangladesh. [62] "Sangeet" significa música, "Rabindra Sangeet" significa música (ou mais apropriadamente canções) de Rabindra.

Tagore escreveu cerca de 2.230 canções em bengali, agora conhecido como Rabindra Sangeet, usando música clássica e música folclórica tradicional como fontes. [63] [64]

Tagore escreveu hinos nacionais da Índia e Bangladesh e influenciou o hino nacional do Sri Lanka.

Rajasthani

Rajasthan tem uma coleção cultural muito diversa de castas de músicos, incluindo Langas, Sapera, Bhopa, Jogi e Manganiyar (literalmente "aqueles que pedem / imploram"). Diário de Rajasthan cita-o como uma música cheia de alma e com uma diversidade harmoniosa. As melodias do Rajastão vêm de uma variedade de instrumentos. A variedade de cordas inclui o Sarangi, Ravanahatha, Kamayacha, Morsing e Ektara. Os instrumentos de percussão vêm em todas as formas e tamanhos, desde os enormes Nagaras e Dhols até o minúsculo Damrus. O Daf e o Chang são os favoritos dos foliões do Holi (o festival das cores). Flautas e gaiteiras vêm em sabores locais, como Shehnai, Poongi, Algoza, Tarpi, Been e Bankia.

A música do Rajastão é derivada de uma combinação de instrumentos de cordas, instrumentos de percussão e instrumentos de sopro acompanhados por interpretações de cantores folk. Também goza de uma presença respeitável na música de Bollywood.

Folk rock sufi / rock sufi

O rock folclórico sufi contém elementos de hard rock moderno e música folclórica tradicional com poesia sufi. Embora tenha sido lançado por bandas como Junoon no Paquistão, tornou-se muito popular, especialmente no norte da Índia. Em 2005, o rabino Shergill lançou uma canção de rock sufi chamada "Bulla Ki Jaana", que se tornou o líder das paradas na Índia e no Paquistão. Mais recentemente, a música folk rock sufi "Bulleya" do filme de 2016 Ae Dil Hai Mushkil tornou-se um sucesso gigantesco. [ citação necessária ]

Uttarakhandi

A música folclórica de Uttarakhandi teve suas raízes no colo da natureza e no terreno montanhoso da região. Temas comuns na música folclórica de Uttarakhand são a beleza da natureza, várias estações, festivais, tradições religiosas, práticas culturais, histórias folclóricas, personagens históricos e a bravura dos ancestrais. As canções folclóricas de Uttarakhand são um reflexo da herança cultural e da maneira como as pessoas vivem suas vidas no Himalaia. Os instrumentos musicais usados ​​na música Uttarakhand incluem o Dhol, Damoun, Hudka, Turri, Ransingha, Dholki, Daur, Thali, Bhankora e Masakbhaja. Tabla e Harmonium também são algumas vezes usados, especialmente em músicas folclóricas gravadas dos anos 1960 em diante. Instrumentos musicais indianos e globais genéricos foram incorporados ao folclore popular moderno por cantores como Mohan Upreti, Narendra Singh Negi, Gopal Babu Goswami e Chandra Singh Rahi. [ citação necessária ]

Música de dança

Dance music, mais popularmente chamada "Música de DJ", é tocado principalmente em boates, festas, casamentos e outras celebrações. É mais popular entre os jovens. É principalmente baseado na música do filme indiano, bem como na música pop indiana, que tendem a emprestar e modernizar as canções de dança clássica e folclórica com instrumentos modernos e outras inovações.

Música de cinema

A maior forma de música popular indiana é filmi, ou canções de filmes indianos, que representa 72% das vendas de música na Índia. [65] A indústria cinematográfica da Índia apoiou a música, reverenciando a música clássica enquanto utilizava a orquestração ocidental para apoiar as melodias indianas. Compositores musicais, como RD Burman, Shankar Jaikishan, SD Burman, Laxmikant – Pyarelal, Madan Mohan, Bhupen Hazarika, Naushad Ali, OP Nayyar, Hemant Kumar, C. Ramchandra, Salil Chowdhury, Kalyanji Anandji, Ilaiyaraaja, AR Rahman, Anu Malik, Nadeem-Shravan, Harris Jayaraj, Himesh Reshammiya, Vidyasagar, Shankar Ehsaan Loy, Salim-Sulaiman, Pritam, MS Viswanathan, K. V. Mahadevan, Ghantasala e S. D. Batish empregaram os princípios da harmonia, mantendo o sabor clássico e folclórico. Nomes de renome no domínio da música clássica indiana como Ravi Shankar, Vilayat Khan, Ali Akbar Khan e Ram Narayan também compuseram música para filmes. Tradicionalmente, nos filmes indianos, a voz das canções não é fornecida pelos atores, mas pelos cantores reprodutores profissionais, para soar mais desenvolvida, melodiosa e comovente, enquanto os atores dublam na tela. No passado, apenas um punhado de cantores fornecia voz em filmes. Estes incluem Kishore Kumar, K. J. Yesudas, Mohammed Rafi, Mukesh, S.P. Balasubrahmanyam, T.M. Soundararajan, Hemant Kumar, Manna Dey, P. Susheela, Lata Mangeshkar, Asha Bhonsle, K.S. Chitra, Geeta Dutt, S. Janaki, Shamshad Begum, Suraiya, Noorjahan e Suman Kalyanpur. Cantores de playback recentes incluem Udit Narayan, Kumar Sanu, Kailash Kher, Alisha Chinai, KK, Shaan, SPB Charan, Madhushree, Shreya Ghoshal, Nihira Joshi, Kavita Krishnamurthy, Hariharan (cantor), Ilaiyaraaja, A.R. Rahman, Sonu Nigam, Sukhwinder Singh, Kunal Ganjawala, Anu Malik, Sunidhi Chauhan, Anushka Manchanda, Raja Hasan, Arijit Singh e Alka Yagnik. Bandas de rock como Indus Creed, Indian Ocean, Silk Route e Euphoria ganharam apelo de massa com o advento da televisão de música a cabo.

Música pop

A música pop indiana é baseada em um amálgama de folk indiano e música clássica e batidas modernas de diferentes partes do mundo. A música pop realmente começou na região do Sul da Ásia com a canção ‘Ko Ko Korina'Em 1966, seguido inicialmente por Mohammad Rafi no final dos anos 1960 e depois por Kishore Kumar no início dos anos 1970. [66]

Depois disso, grande parte da música pop indiana vem da indústria cinematográfica indiana e, até a década de 1990, poucos cantores como Usha Uthup, Sharon Prabhakar e Peenaz Masani fora dela eram populares. Desde então, os cantores pop deste último grupo incluíram Daler Mehndi, Baba Sehgal, Alisha Chinai, KK, Shantanu Mukherjee, também conhecido como Shaan, Sagarika, Colonial Cousins ​​(Hariharan, Lesle Lewis), Lucky Ali e Sonu Nigam, e compositores como Zila Khan ou Jawahar Wattal, que fez os álbuns mais vendidos com Daler Mehndi, Shubha Mudgal, Baba Sehgal, Shweta Shetty e Hans Raj Hans. [67]

Recentemente, o pop indiano deu uma guinada interessante com a "remixagem" de canções de filmes indianos anteriores, novas batidas sendo adicionadas a elas.

Música patriótica

Sentimentos patrióticos foram instigados nos indianos por meio da música desde a era da luta pela liberdade. Jana Gana Mana, o hino nacional da Índia por Rabindranath Tagore, é amplamente creditado [69] [70] por unir a Índia através da música e Vande Mataram por Bankim Chandra Chattopadhyay como a canção nacional da Índia. Canções patrióticas também foram escritas em muitas línguas regionais, como Biswo Bizoyi No Zuwan em assamês. Canções pós-independência como o logotipo Aye mere watan ke, Mile Sur Mera Tumhara, Ab Tumhare Hawale Watan Saathiyo, Maa Tujhe Salaam de A.R.Rahman foram responsáveis ​​por consolidar sentimentos de integração nacional e unidade na diversidade.

Adoção da música ocidental na Índia

A música do mundo ocidental foi adotada na Índia, criando música de fusão na Índia que, por sua vez, enriqueceu e criou gêneros globais de música ocidental.

Transe goa

Goa trance, um estilo de música eletrônica que se originou no final dos anos 1980 em Goa, na Índia, [71] tem linhas de baixo funky e parecidas com drones, semelhantes ao minimalismo techno do psytrance do século XXI. Transe psicodélico desenvolvido a partir do transe Goa. [72] No final dos anos 1960 e início dos anos 1970, Goa tornou-se popular como uma capital hippie, o que resultou na evolução do trance Goa ao longo dos anos 1980, misturando a cultura espiritual da Índia com elementos musicais ocidentais de música industrial, new beat e música corporal eletrônica ( EBM), e o verdadeiro estilo de transe Goa foi estabelecido no início dos anos 1990. [71] [73]

Jazz e blues

O jazz na Índia foi apresentado regularmente pela primeira vez nas metrópoles Calcutá e Bombaim no início ou meados da década de 1920. [74] [75] De 1930 a 1950 é considerada a era de ouro do jazz na Índia, quando músicos de jazz como Leon Abbey, Crickett Smith, Creighton Thompson, Ken Mac, Roy Butler, Teddy Weatherford (que gravou com Louis Armstrong ) e Rudy Jackson, que viajou pela Índia para evitar a discriminação racial que enfrentaram nos Estados Unidos. [76] [77] Na década de 1930, músicos de jazz tocavam nas boates de Bombaim, como no salão de baile do hotel Taj Mahal, muitos desses músicos eram a maioria Goans que também trabalharam na indústria cinematográfica de Bollywood e foram responsáveis ​​pela introdução de gêneros como jazz e swing com música de filme hindi. [78]

O blues indiano é menos prevalente na Índia do que o jazz. O interesse pelo blues na Índia foi apenas incidental devido à ancestralidade compartilhada com o jazz.

Rock e metal

Rock indiano

A cena musical rock na Índia é pequena se comparada às cenas de cinema ou musicalidade de fusão. O rock na Índia tem suas origens na década de 1960, quando estrelas internacionais como os Beatles visitaram a Índia e trouxeram sua música com eles. A colaboração desses artistas com músicos indianos como Ravi Shankar e Zakir Hussain levou ao desenvolvimento do rock raga. Estações de rádio internacionais de ondas curtas, como The Voice of America, BBC e Radio Ceylon, desempenharam um papel importante em levar a música pop, folk e rock ocidental para as massas. As bandas de rock indianas começaram a ganhar destaque muito mais tarde, por volta do final dos anos 1980.

Foi nessa época que a banda de rock Indus Creed antes conhecida como The Rock Machine ganhou destaque no cenário internacional com sucessos como Rock N Roll Renegade. Outras bandas seguiram rapidamente. Com a introdução da MTV no início da década de 1990, os índios começaram a ser expostos a diversas formas de rock como grunge e speed metal, impactando o cenário nacional. As cidades da Região Nordeste, principalmente Guwahati e Shillong, Kolkata, Delhi, Mumbai e Bangalore, surgiram como grandes caldeirões para entusiastas do rock e do metal. Bangalore tem sido o centro do movimento do rock e do metal na Índia. Algumas bandas proeminentes incluem Nicotine, Voodoo Child, Indian Ocean, Kryptos, Thermal and a Quarter, Demonic Resurrection, Motherjane, Avial e Parikrama. Selos específicos do rock, como DogmaTone Records e Eastern Fare Music Foundation, surgiram desde então, apoiando bandas de rock indianas.

Do centro da Índia, Nicotine, uma banda de metal baseada em Indore, foi considerada como o pioneiro da música metal na região. [79] [80] [81] [82] [83] [84] [85] [86] [87] [88] [ citações excessivas ]

Rock raga

Raga rock é o rock ou música pop com forte influência indiana, seja na sua construção, no seu timbre, ou no uso de instrumentos como a cítara e a tabla. Raga e outras formas de música clássica indiana começaram a influenciar muitos grupos de rock durante a década de 1960, sendo os mais famosos os Beatles. Os primeiros traços de "raga rock" podem ser ouvidos em canções como "See My Friends" dos Kinks e "Heart Full of Soul" dos Yardbirds, lançado no mês anterior, com um riff parecido com uma cítara do guitarrista Jeff Beck. [89] [90] A canção dos Beatles "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", que apareceu pela primeira vez no álbum Rubber Soul de 1965 da banda, foi a primeira canção pop ocidental a realmente incorporar a cítara (interpretada pelo guitarrista principal George Harrison) . [90] [91] O single "Eight Miles High" do The Byrds em março de 1966 e seu lado B "Why" também foram influentes na origem do subgênero musical. Na verdade, o termo "raga rock" foi cunhado pelo publicitário do The Byrds nos comunicados à imprensa do single e foi usado pela primeira vez na impressão pela jornalista Sally Kempton em sua crítica de "Eight Miles High" para o The Village Voice. [92] [93] O interesse de George Harrison pela música indiana popularizou o gênero em meados da década de 1960 com canções como "Love You To", "Tomorrow Never Knows" (creditado a Lennon-McCartney), "Within You Without You" e "A Luz Interior". [94] [95] [96] Os atos de rock dos anos 60, por sua vez, influenciaram grupos britânicos e americanos e atos indianos a desenvolver uma forma posterior de rock indiano.

Música clássica ocidental

O seguimento da música clássica ocidental na Índia é quase totalmente inexistente. É patrocinado principalmente pela comunidade zoroastriana indiana, comunidade cristã protestante em Chennai e Bangalore e pequenos grupos esotéricos com exposição histórica à música clássica ocidental. A educação musical ocidental também é rara na Índia. A instrução ocidental de teclado, bateria e guitarra é uma exceção, pois encontrou algum interesse principalmente no esforço de criar músicos para servir a música indiana popular contemporânea. Apesar de mais de um século de exposição à música clássica ocidental e dois séculos de colonialismo britânico, a música clássica na Índia nunca ganhou mais do que uma popularidade marginal. [ citação necessária ] .

No entanto, a educação da música clássica ocidental melhorou com a ajuda de certas instituições na Índia, incluindo KM Music Conservatory (fundado pelo compositor vencedor do Oscar ARRahman), Calcutta School of Music, Eastern Fare Music Foundation, [97] Em 1930, Mehli Mehta configurar a Orquestra Sinfônica de Bombaim. [98] Seu filho Zubin Mehta teve uma longa carreira internacional de regente. A Bombay Chamber Orchestra [99] (BCO) foi fundada em 1962. Delhi School of Music, Delhi Music Academy, Guitarmonk e outros apoiando a música clássica ocidental. [ citação necessária ] Em 2006, foi fundada a Orquestra Sinfônica da Índia, sediada no NCPA em Mumbai.É hoje a única orquestra sinfônica profissional da Índia e apresenta duas temporadas de concertos por ano, com maestros e solistas de renome mundial.

De acordo com a ONU, a diáspora indiana é a maior diáspora ultramarina do mundo, com 17,5 milhões de migrantes internacionais de origem indiana em todo o mundo, [100] que ajudam a espalhar o soft power global da Índia. [101]

Influência em outros gêneros

Influência antiga no gênero musical do sudeste asiático

Com a expansão da influência cultural da Indosfera da Grande Índia, [103] através da transmissão do Hinduísmo no Sudeste Asiático [104] [105] [106] e a transmissão da Rota da Seda do Budismo [107] [108] levando à Indianização do Sudeste Asiático por meio da formação de reinos indianos não indianos do sudeste asiático [109] que adotaram a linguagem sânscrita [110] e outros elementos indianos [111], como títulos honoríficos, nomeação de pessoas, nomeação de lugares, lemas de organizações e institutos educacionais, bem como adoção da arquitetura indiana, artes marciais, música e dança indiana, roupas tradicionais indianas e culinária indiana, um processo que também foi auxiliado pela expansão histórica contínua da diáspora indiana. [101]

Música indonésia e malaia

Na música indonésia e malaia, o Dangdut, um gênero de música folclórica, é parcialmente derivado e fundido da música hindustani. É muito popular por causa de sua instrumentação melodiosa e vocais. Dangdut apresenta uma batida tabla e gendang. [112] [113] Os indonésios dançam em algo semelhante ao ghoomar enquanto ouvem música dangdut, mas em uma versão muito mais lenta.

Musica tailandesa

A literatura e o drama tailandeses inspiram-se nas artes indianas e nas lendas hindus. Epic of Ramayana é tão popular na Tailândia quanto o Ramakien. Duas das danças clássicas tailandesas mais populares, a Khon, executada por homens usando máscaras ferozes, e a Lakhon (Lakhon nai, Lakhon chatri e Lakhon nok), executada por mulheres que desempenham papéis masculinos e femininos, inspiram-se principalmente no Ramakien. Instrumentos de percussão e Piphat, uma espécie de sopro acompanham a dança. [114] Nang talung, um jogo de sombras tailandês inspirado no sul da Índia Bommalattam, tem sombras feitas de pedaços de pele de vaca ou búfalo de água cortadas para representar figuras humanas com braços e pernas móveis e jogadas em uma tela para o entretenimento dos espectadores.

Filipinas
  • Epopéias e cantos filipinos inspirados nas epopéias religiosas hindus indianas Ramayana e Mahabharta.
      do povo Ifugao da Região Administrativa da Cordilheira na ilha de Luzon nas Filipinas, 11 obras-primas do Patrimônio Oral e Imaterial da Humanidade em 2001 e formalmente inscrito como Patrimônio Cultural Imaterial da UNESCO em 2008. Ver também Hudhud - o épico Ifugao. (Inglês: "The Life of Lam-ang") é um poema épico do povo Ilocano da região de Ilocos. épico da região de Bikol, no sudeste de Luzon.
  • "Aginid, Bayok sa atong Tawarik", um épico Bisayan de Cebu.
  • Bayok, um épico do povo Marano do noroeste de Mindanao.
    • , violão filipino nativo do povo Maranao, Manobo e Maguindanao, é influenciado pelos conceitos da música clássica indiana de melodia e escala.

    Fusão com música tradicional de outras nações

    Às vezes, a música da Índia se funde com a música tradicional nativa de outros países. Por exemplo, Delhi 2 Dublin, uma banda com sede no Canadá, é conhecida por fundir música indiana e irlandesa, e Bhangraton é uma fusão de música Bhangra com reggaeton. [115]

    Música do mundo ocidental

    Música de filme

    O compositor de cinema indiano A. R. Rahman escreveu a música para Andrew Lloyd Webber's Sonhos Bombay, e uma versão musical de Hum Aapke Hain Koun foi encenado no West End de Londres. O filme de esportes de Bollywood Lagaan (2001) foi indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e dois outros filmes de Bollywood (2002's Devdas e 2006 Rang De Basanti) foram nomeados para o Prêmio BAFTA de Melhor Filme Sem Língua Inglesa.

    Danny Boyle's Slumdog Millionaire (2008) foi inspirado nos filmes de Bollywood. [116] [117]

    Hip hop e reggae

    Bhangraton é uma fusão da música Bhangra com reggaeton, que em si é uma fusão de hip hop, reggae e música tradicional latino-americana. [115]

    No início dos anos 1960, pioneiros do jazz, como John Coltrane, que gravou uma composição intitulada 'Índia' durante as sessões de novembro de 1961 para seu álbum Viva no Village Vanguard (a faixa não foi lançada até 1963 no álbum de Coltrane Impressões) - também abraçou essa fusão. George Harrison (dos Beatles) tocou cítara na canção "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" em 1965, o que despertou o interesse de Shankar, que posteriormente escolheu Harrison como seu aprendiz. O inovador do jazz Miles Davis gravou e se apresentou com músicos como Khalil Balakrishna, Bihari Sharma e Badal Roy em seus conjuntos elétricos pós-1968. O guitarrista de jazz virtuoso John McLaughlin passou vários anos em Madurai aprendendo música Carnatic e incorporou-a a muitos de seus atos, incluindo Shakti, que apresentava músicos indianos proeminentes. Outros artistas ocidentais como Grateful Dead, Incredible String Band, Rolling Stones, Move and Traffic logo incorporaram influências e instrumentos indianos e acrescentaram artistas indianos. O frontman do Legendary Grateful Dead Jerry Garcia se juntou ao guitarrista Sanjay Mishra em seu CD clássico "Blue Incantation" (1995). Mishra também escreveu uma trilha sonora original para o diretor francês Eric Heumann para seu filme Port Djema (1996) que ganhou a melhor trilha sonora no Festival de Cinema de Hamptons e O Urso de Ouro em Berlim. em 2000 ele gravou Resgate com o baterista Dennis Chambers (Carlos Santana, John McLaughlin et al.) e em 2006 Chateau Benares com os convidados DJ Logic e Keller Williams (guitarra e baixo).

    Filme musical

    Desde o início dos anos 2000, Bollywood começou a influenciar os filmes musicais no mundo ocidental e teve um papel fundamental na revivificação do cinema musical americano. Baz Luhrmann disse que seu filme musical, Moulin Rouge! (2001), foi inspirado em musicais de Bollywood [118] o filme incorporou uma cena de dança ao estilo de Bollywood com uma canção do filme China Gate. O sucesso crítico e financeiro de Moulin Rouge! deu início a um renascimento dos filmes musicais ocidentais, como Chicago, Renda, e Dreamgirls. [119]

    Música psicodélica e trance
    Rock and roll

    No final dos anos 1970 e início dos 1980, as fusões do rock and roll com a música indiana eram bem conhecidas na Europa e na América do Norte. O desempenho de Ali Akbar Khan em 1955 nos Estados Unidos foi talvez o início dessa tendência. Em 1985, um híbrido de Raga Rock voltado para a batida, chamado Sitar Power, de Ashwin Batish, reintroduziu a cítara nas nações ocidentais. Sitar Power chamou a atenção de várias gravadoras e foi contratado pela Shanachie Records de New Jersey para chefiar a divisão World Beat Ethno Pop.

    Technopop

    A influência de filmi pode ser visto na música popular em todo o mundo. Os pioneiros do Technopop Haruomi Hosono e Ryuichi Sakamoto da Yellow Magic Orchestra produziram um álbum eletrônico de 1978, Lua Cochin, baseado em uma fusão experimental de música eletrônica e música indiana inspirada em Bollywood. [120] A canção "Addictive" de Truth Hurts de 2002, produzida por DJ Quik e Dr. Dre, foi tirada de "Thoda Resham Lagta Hai" de Lata Mangeshkar em Jyoti (1981). [121] A canção "Don't Phunk with My Heart" do Black Eyed Peas, vencedora do Grammy de 2005, foi inspirada por duas canções de Bollywood dos anos 1970: "Ye Mera Dil Yaar Ka Diwana" de vestir (1978) e "Ae Nujawan Hai Sub" de Apradh (1972). [122] Ambas as canções foram compostas por Kalyanji Anandji, cantadas por Asha Bhosle, e apresentavam a dançarina Helen. [123]

    Música clássica ocidental

    Alguns indianos proeminentes na música clássica ocidental são:

      - maestro e educador musical, maestro, pai de Zubin, violinista e maestro fundador da Orquestra Sinfônica de Bombaim, pianista, o primeiro indiano a compor uma sinfonia completa executada pela Royal Philharmonic Orchestra no Walthamstow Town Hall de Londres, compositor indiano nascido , Compositor de origem indiana, compositor de origem indiana, compositor de SHABD ITNA PYARA de origem indiana https://soundcloud.com/futuresoundmumbai/shabd-itna-pyara

    Influência na cena musical nacional

    Bollywood tem sido uma forma significativa de soft power para a Índia, aumentando sua influência e mudando a percepção da Índia no exterior. [124] [125] De acordo com o autor Roopa Swaminathan, "o cinema de Bollywood é um dos mais fortes embaixadores culturais globais de uma nova Índia." [125] [126] Seu papel na expansão da influência global da Índia é comparável ao papel semelhante de Hollywood com a influência americana. [127]

    África

    Os filmes em hindi foram originalmente distribuídos em algumas partes da África por empresários libaneses e Mãe índia (1957) continuou a ser exibido na Nigéria décadas após seu lançamento. Os filmes indianos influenciaram as roupas Hausa, as canções foram regravadas por cantores Hausa e as histórias influenciaram os romancistas nigerianos. Adesivos de filmes indianos e estrelas decoram táxis e ônibus na região norte da Nigéria, e pôsteres de filmes indianos estão pendurados nas paredes de alfaiataria e oficinas mecânicas. [129]

    Na África do Sul, as importações de filmes da Índia foram assistidas pelo público negro e indiano. [130] Várias figuras de Bollywood viajaram para a África para filmes e projetos fora das câmeras. Padmashree Laloo Prasad Yadav (2005) foi filmado na África do Sul. [131] Dil Jo Bhi Kahey. (2005) também foi filmado quase inteiramente nas Maurícias, que tem uma grande população étnica-índia.

    No Egito, os filmes de Bollywood foram populares durante as décadas de 1970 e 1980. [132] [133] Amitabh Bachchan permaneceu popular no país [134] e os turistas indianos que visitam o Egito são questionados: "Você conhece Amitabh Bachchan?" [135]

    Américas

    Caribenho

    A música indo-caribenha do povo indo-caribenho no Caribe é mais comum em Trinidad e Tobago, Guiana, Jamaica e Suriname, o que reflete sua herança Bhojpuri. A instrumentação principal é dhantal, haste de metal, claper, dholak, tambor de duas cabeças. As mulheres cantam bhajans hindus e canções folclóricas da música de Bhojpur em vários eventos importantes da vida, rituais, celebrações e festivais como phagwah e holi. As contribuições indo-caribenhas à música popular são muito importantes. O mais conhecido é o Indo-Trinidadiano música chutney tradição. O chutney é uma forma de música de dança popular que se desenvolveu entre meados e o final do século XX. Baithak Gana é uma forma popular semelhante originária do Suriname. [136] [137]

    América latina

    Existem significativas comunidades da diáspora indiana no Suriname [138] e na Guiana, a música indiana e os filmes em hindi são populares. [139] Em 2006, Dhoom 2 tornou-se o primeiro filme de Bollywood a ser rodado no Rio de Janeiro. [140]

    América do Norte

    No novo milênio, o hip-hop americano apresentou filmes indianos e bhangra. Artistas de hip-hop convencionais fizeram amostras de músicas de filmes de Bollywood e colaboraram com artistas indianos. Os exemplos incluem "Indian Flute" de Timbaland, "React" de Erick Sermon e Redman, "Disco" de Slum Village e o hit "Addictive" de Truth Hurts, que reproduz uma amostra de uma música de Lata Mangeshkar, e uma amostra de The Black Eyed Peas de uma música de Asha Bhosle "Yeh Mera Dil "em seu single de sucesso" Don't Phunk With My Heart ". Em 1997, a banda britânica Cornershop prestou homenagem a Asha Bhosle com sua música Brimful of Asha, que se tornou um sucesso internacional. O artista indiano britânico Panjabi MC também fez sucesso no Bhangra nos Estados Unidos com "Mundian To Bach Ke", que apresentava o rapper Jay-Z. A Asian Dub Foundation não é uma grande estrela do mainstream, mas seu som influenciado pelo rap e punk rock politicamente carregado tem um público multirracial em seu Reino Unido natal. Em 2008, a estrela internacional Snoop Dogg apareceu em uma canção no filme Singh Is Kinng. Em 2007, o produtor de hip-hop Madlib lançou Beat Konducta Vol 3-4: Beat Konducta na Índia, um álbum com muitas samples e inspirado na música indiana.

    Sul da Asia

    Devido à herança cultural e ao idioma compartilhados, a música indiana e os filmes de Bollywood também são populares no Afeganistão, Paquistão, Bangladesh e Nepal, onde o hindustani é amplamente conhecido. [141] [142]

    Sudeste da Ásia
    Ásia Ocidental

    A Ásia Ocidental tem uma grande população de diáspora indiana, que consome principalmente música indiana. A música indiana também é popular entre os nativos do Oriente Médio. 85% da população total do Catar e 75% da população total dos Emirados Árabes Unidos são cidadãos indianos. [143] Os filmes e a música hindi tornaram-se populares nos países árabes, [144] e os filmes indianos importados são geralmente legendados em árabe quando são lançados. Bollywood progrediu em Israel desde o início dos anos 2000, com canais dedicados a filmes indianos na televisão a cabo [145]

    Europa

    Alemanha

    Na Alemanha, os estereótipos indianos incluíam carros de boi, mendigos, vacas sagradas, políticos corruptos e catástrofes antes de Bollywood e a indústria de TI transformarem a percepção global da Índia. [146]

    No final dos anos 1980, os artistas índio-britânicos fundiram as tradições indianas e ocidentais para criar o underground asiático. Desde a década de 1990, o músico canadense Nadaka, que passou a maior parte de sua vida na Índia, tem criado música que é uma fusão acústica da música clássica indiana com estilos ocidentais. Um tal cantor que fundiu a tradição do sangeet Bhakti da Índia com a música ocidental não indiana é Krishna Das e vende discos musicais de sua sadhana musical. Outro exemplo é a musicista indo-canadense Vandana Vishwas, que experimentou música ocidental em seu álbum de 2013 Monólogos.

    Em um exemplo mais recente de fusão indiano-britânica, Laura Marling junto com Mumford and Sons colaborou em 2010 com o Projeto Dharohar em um EP de quatro canções. [32] A banda britânica Bombay Bicycle Club também gravou uma amostra da música "Man Dole Mera Tan Dole" para seu single "Feel". [147] Laxmikant-Pyarelal

    Oceânia

    Devido à grande população da diáspora indiana, a música e os filmes indianos são muito populares em Fiji, especialmente entre os indo-fijianos. [148]

    Austrália e Nova Zelândia têm 2% da população indiana, bem como uma grande diáspora do sul da Ásia, e a música e os filmes de Bollywood também são populares entre os não asiáticos no país. [148]

    Sangeet Natak Akademi é a academia de nível nacional para artes cênicas criada pelo governo da Índia em 1952, que concede o prêmio Sangeet Natak Akademi como o mais alto reconhecimento oficial do governo indiano dado a artistas praticantes, [149] Ela estabeleceu várias instituições, incluindo o Manipur. Dance Academy in Imphal, [150] Ravindra Rangshala Centers, [151] Sattriya Center, Kathak Kendra (National Institute of Kathak Dance) em Nova Delhi, Centre for Kutiyattam em Thiruvananthapuram, Chhau Centre em Baripada em Jamshedpur, Banaras Music Akademi,


    Exposições Especiais

    A Granite Rock Company, fundada em 14 de fevereiro de 1900, tem orgulho de sua rica história, que se compara ao crescimento e desenvolvimento da costa central da Califórnia. Ao longo dos anos, nossa família foi inspirada pelos valores fundamentais originalmente estabelecidos por Arthur Roberts Wilson. Com visão, inspiração e administração notável, seu neto Bruce Wilson Woolpert usou esses valores para transformar a empresa em um negócio de sucesso e altamente respeitado na região de São Francisco e da Baía de Monterey.

    A empresa mantém uma rica coleção de fotografias e documentos históricos que abrangem os anos. Eles revelam as histórias do povo de Graniterock, que construiu uma empresa duradoura ao sustentar suas famílias e contribuir com suas comunidades.

    O Museu Virtual de Graniterock é uma compilação dos favoritos de nossa coleção. Fotos e documentos de cada década são selecionados para ilustrar pessoas, locais e eventos importantes da época. De vez em quando, coleções especiais serão adicionadas para destacar épocas ou interesses específicos.

    Agradecemos comentários, correções e acréscimos aos nossos arquivos. A construção é uma parte essencial da história da nossa região, e estamos felizes em poder compartilhar nossa história com você.

    Saiba mais sobre a história de Graniterock no folheto de história e no folheto de história de Redwood City

    As raízes da Granite Rock Company residem na história da costa central da Califórnia. Na verdade, sua história começou há mais de 200 milhões de anos, quando uma massa de granito derretido começou a subir das profundezas da terra através de calcário, arenito e argila no leito de um antigo oceano. O granito resfriou, contraiu e rachou, e foi dobrado, quebrado, esmagado e erguido enquanto a placa do Pacífico vagarosamente derivava para o norte. A localização fortuita do granito diretamente sobre a falha de San Andreas facilitaria a mineração futura dessa rocha pré-fraturada.

    Em 1769, a Expedição Portola acampou no rio Pajaro e notou as árvores gigantes com madeira em tons de vermelho crescendo nas proximidades, mas seu depósito de granito não seria notado por mais 102 anos. Em 1871, enquanto traçavam a ferrovia costeira do Pacífico Sul perto de Chittenden Pass, 14,5 quilômetros a leste da cidade de Watsonville, engenheiros encontraram granito em seu caminho. Era perfeito para ser usado como lastro para formar leitos de ferrovia enquanto os trilhos eram colocados em todo o estado.

    Na esteira da Corrida do Ouro, pessoas aventureiras chegavam ao Ocidente em busca de uma nova vida. A adolescente Joanna McIntyre viajou pelo istmo do Panamá a caminho de Kentucky e, na Califórnia, conheceu e se casou com Enoch Wilson, um lojista de São Francisco. Eles enviaram seu filho Arthur para estudar engenharia no Instituto de Tecnologia de Massachusetts. Arthur Roberts Wilson formou-se com a turma do MIT em 1890 e voltou para a Califórnia para começar sua carreira como engenheiro de construção. Ele serviu como engenheiro civil da cidade de Oakland e dirigiu a pedreira Leona Heights de Oakland. Enquanto isso, no condado de Santa Cruz, outro jovem chamado Warren Porter viu uma boa oportunidade de negócio na pequena pedreira de granito em Aromas. Ele pediu a Wilson que se juntasse a ele na compra da pedreira e também a operasse. A.R. Wilson fez um empréstimo de US $ 10.000, mudou-se com sua esposa e filhos para Watsonville e incorporou a Granite Rock Company em 14 de fevereiro de 1900.

    No início, as operações de pedreira eram difíceis. Os homens usaram marretas, picaretas, pás e carrinhos de mão para quebrar e carregar pedras em carroças puxadas por cavalos para a viagem até a linha férrea. Os trabalhadores receberam US $ 1,75 por dia de dez horas para produzir 12 toneladas de rocha quebrada em tamanhos de 6 polegadas e menos. Os homens dormiam no barracão da pedreira e comiam na cozinha. O café da manhã foi servido às 5 da manhã. - os trabalhos começaram às 6 horas da manhã. O alívio veio em 1903, quando a pedreira foi automatizada com um britador No. 3 McCully movido a vapor. Produziu 20 toneladas de rocha de 2 ½ polegadas por hora. O granito foi transportado da face da pedreira em vagões puxados por cavalos, com despejo lateral, ainda carregados à mão.

    Então o desastre aconteceu. A falha de San Andreas havia criado a pedreira e agora destruía o que estava em seu caminho. O terremoto de 1906 destruiu a nova usina de britagem a vapor e interrompeu as operações. Os trilhos dos trens foram torcidos, os vagões virados e a operação da pedreira em geral devastada. A.R.Wilson juntou-se ao esforço de socorro ao desastre e puxou todo o pão que encontrou para ajudar os cidadãos famintos de São Francisco. Felizmente, a devastação do terremoto criou uma nova demanda para construção. A Granite Rock Company, com a Licença de Empreiteiro Estadual da Califórnia nº 22, construiu uma série de edifícios importantes em São Francisco e ao redor da área da Baía de Monterey. Entre os que ainda estão de pé estão a antiga Câmara Municipal de Gilroy e o antigo Edifício Wells Fargo de São Francisco.

    À medida que os automóveis começaram a substituir o cavalo e a charrete, a pavimentação das ruas tornou-se uma necessidade. A Granite Rock Company recebeu seu primeiro contrato de rua para colocação de macadame water bond na Lake Avenue em Watsonville, de Walker Street aos limites da cidade a nordeste. O contrato total, incluindo classificação e calhas, chegou a US $ 18.000. Em 1915, o Legislativo do Estado da Califórnia aprovou um projeto de lei conhecido como “Ato para Sair da Lama” para encorajar a modernização das ruas, e os vendedores de Granite Rock estavam ocupados inscrevendo bairros para pavimentar suas ruas.

    Na pedreira de Aromas, uma escavadeira a vapor Marion foi comprada para mecanizar ainda mais as operações e, em 1911, as carroças puxadas por cavalos foram substituídas por uma locomotiva a vapor Porter para transportar rochas quebradas da face da pedreira até o britador. A rocha foi carregada em vagões de despejo de madeira com laterais de madeira, e homens escalaram para quebrar as grandes rochas com uma marreta. Se a rocha não quebrasse, ela era despejada para a equipe da pólvora para dinamite. Na exposição Panama Pacific de 1915 em San Francisco, a Granite Rock Company ganhou a Gold Ribbon pela excelência em brita.

    A Primeira Guerra Mundial fez com que os custos de frete disparassem e, como resultado, fábricas locais foram desenvolvidas para que a rocha pudesse ser vendida em pequenos lotes de caminhões. A Granite Rock Company construiu bunkers ao longo da ferrovia de South San Francisco a San Luis Obispo para abastecer as empresas de construção locais. A construção estava crescendo em toda a Califórnia, e a Granite Rock Company estava se expandindo com as necessidades crescentes do estado. Em 1916, uma ferrovia foi construída para os campos de petróleo de Doheny, no sul da Califórnia, e Granite Rock enviou homens e máquinas ao sul até Santa Maria para fazer o trabalho. Em 1918, Granite Rock construiu a rodovia conectando Castroville com Moss Landing. Empregado neste trabalho no “Boulevard da Couve-flor” estava um trabalhador de Salinas chamado John Steinbeck.

    Em 1922, A.R. Wilson tornou-se presidente da Granite Rock Company e acionista majoritário. Também naquele ano, Wilson fundou a Granite Construction Company como uma entidade separada e se tornou seu primeiro presidente. Em 1924, Wilson fundou a Central Supply Company, que distribuía materiais de construção. A Granite Rock Company continuou a ser produtora de produtos de rocha e areia para projetos de construção e vendas de materiais. Também em 1922, Wilson, de 56 anos, recentemente viúvo, casou-se com Anna R. Weiss, de St. Louis, Missouri, e começou a constituir uma nova família. Nesse ínterim, o filho de A.R., A.J. “Jeff” Wilson, assumiu a vice-presidência da Granite Rock. Tudo estava bem até um dia, quando voltava do trabalho para casa na pedreira, A.R. Wilson sofreu um forte ataque cardíaco e morreu. Sua esposa Anna, agora com 43 anos e com duas crianças para criar, assumiu a presidência da empresa, e Jeff Wilson assumiu como gerente geral. Tudo isso aconteceu apenas dez dias antes da quebra do mercado de ações em 1929.

    A Grande Depressão teve um forte impacto sobre os negócios americanos e Granite Rock não foi exceção. O trabalho era tão escasso na pedreira que um apito soou para chamar os homens quando apenas um carro de pedra foi encomendado. O Conselho de Administração teve que pedir permissão ao Federal Reserve Bank para dar bônus de Natal. Incapaz de oferecer emprego regular, a empresa concedeu empréstimos sem juros para cobrir despesas médicas. Lutando para manter suas três empresas à tona, a família Wilson vendeu sua participação na Granite Construction para Walter Wilkinson e Bert Scott em 1936. As filiais de South San Francisco, San Jose e San Luis Obispo da Central Supply Company também foram vendidas.

    No entanto, na década de 1930, houve progresso. A Central Supply Company abriu a primeira fábrica de concreto asfáltico da Califórnia, em Aromas, e deu início à primeira entrega da Califórnia de concreto pré-misturado em minúsculos caminhões basculantes. Esse concreto foi usado para projetos como a construção do Auditório Cívico de Santa Cruz pela WPA. A Segunda Guerra Mundial trouxe uma nova atividade para Granite Rock. Materiais foram necessários para construir o Fort Ord, Camp McQuaide e a pista de pouso da Marinha em Watsonville. Muitos homens estavam fora, servindo nas forças armadas e trabalhando em fábricas de guerra, então os trabalhadores vieram da Jamaica e, pela primeira vez, embora apenas temporariamente, as mulheres foram empregadas na pedreira. Uma nova fábrica foi construída em Asilomar, em Pacific Grove, e a escavação da área de mineração na Pedreira Aromas a derrubou 30 metros, agora nivelada com os trilhos do trem. Uma nova planta de britagem primária foi construída no nível inferior, com uma inauguração em 1946.

    No início dos anos 1950, Jeff Wilson deixou Granite Rock e Anna Wilson se aposentou. Sua filha, Mary Elizabeth (Betsy) Wilson Woolpert, assumiu a presidência. Novamente, foi um momento de crescimento. Instalações de processamento e carregamento úmido foram construídas em Aromas, e novas fábricas foram construídas em Salinas, Felton, Santa Cruz e Los Gatos. A Central Supply comprou sua primeira frota de caminhões betoneira da Ford Motor Company em Salinas. Betsy Woolpert tinha dois filhos pequenos em casa e passou a presidência da empresa para o marido, Bruce G. Woolpert.

    Durante as décadas de 1960 e 1970, Granite Rock cresceu com o tremendo desenvolvimento das áreas de Monterey e da Baía de São Francisco. A Central Supply foi fundida com a Granite Rock para formar uma empresa de produção e vendas de materiais de construção, e a expansão ocorreu nas operações de areia, concreto, concreto asfáltico e materiais de construção. As fábricas foram abertas em San Jose, Redwood City, Santa Cruz, Gilroy, Hollister, Salinas e Seaside. Em sintonia com os tempos, a Graniterock instalou seu primeiro computador - um IBM System 3. Na década de 1980, a empresa realizou um grande investimento para modernizar completamente as operações da pedreira em Aromas. Primeiro, um britador primário móvel gigante foi projetado e construído - o maior do mundo em seu tipo. Transportadores foram instalados para transportar rocha do britador primário para uma nova planta de lavagem e britadores secundários. Finalmente, um inovador sistema de carregamento de caminhões e vagões automatizados por computador foi apresentado no rebatizado A.R. Wilson Quarry.

    A década de 1990 trouxe ainda mais inovação. A Graniterock Construction Division rapidamente se tornou uma das principais empreiteiras de engenharia pesada da Califórnia. Novas operações de concreto, areia e reciclagem foram adicionadas à família Graniterock. Mas talvez o mais significativo tenha sido um novo foco em atender às necessidades do cliente, fornecendo um serviço preciso, rápido e flexível. A atenção ao desenvolvimento pessoal e a capacitação da Gente Graniterock também melhorou a qualidade e o atendimento ao cliente. A Graniterock foi reconhecida por suas realizações com prêmios de excelência em práticas de gestão e negócios, principalmente em 1992 com o Prêmio Nacional de Qualidade Malcolm Baldridge, a maior homenagem do país pela excelência empresarial. A revista Fortune colocou a Graniterock em sua lista anual dos 100 melhores lugares para se trabalhar do país. O compromisso com o serviço comunitário, sempre uma prioridade da empresa, foi expresso de novas formas, como os shows do Dia da Independência “Pops and Rocks” para beneficiar a United Way e o apoio à excelência na educação nas escolas públicas do município de Santa Cruz.

    Em 14 de fevereiro de 2000, A.R. O neto de Wilson, Bruce Wilson Woolpert, deu as boas-vindas ao presidente George H.W. Bush, Graniterock Pessoas, clientes e amigos para uma celebração de gala do 100º aniversário. Preparando-se para um novo milênio, escritórios corporativos expansivos foram abertos em Watsonville em 2002, e sites da empresa foram adicionados em Oakland, Cupertino e Milpitas. Um site da Graniterock trouxe informações para um novo mundo de clientes, e as inovações técnicas foram aplicadas de maneiras cada vez mais criativas. Durante esta década, um conjunto impressionante de sistemas inovadores foi desenvolvido para aumentar a produtividade e o atendimento ao cliente. O sistema de carregamento automatizado de caminhões GraniteXpress 2 ™ de última geração eliminou o tempo de espera do cliente e forneceu aos clientes os benefícios de relatórios de quantidade e produtividade atualizados em locais de pedreira e asfalto. Um sistema exclusivo de vendas e faturamento consolidou faturas em todas as linhas de produtos, e pesquisa e desenvolvimento tecnológico focado na qualidade entregou aos empreiteiros e proprietários os resultados de desempenho que eles desejavam. A preocupação da Graniterock com o meio ambiente ganhou prêmios por administração da comunidade e a liderança em Tecnologia Verde ajudou a resolver os problemas dos clientes de uma forma ecologicamente correta.

    Agora, ainda propriedade de uma família, as localizações da Graniterock se estendem de Oakland a Monterey. Os valores de qualidade, inovação e respeito pelas pessoas que foram estabelecidos pela primeira vez pelo fundador da Empresa, Arthur R. Wilson, continuam a conduzir a Graniterock para o futuro.


    Filiação

    A eleição para membro do NAS é considerada uma das maiores honrarias que um cientista pode receber. Leia mais sobre nossos membros e suas contribuições para a ciência.

    Membro em destaque: Arup Chakraborty usa métodos de mecânica estatística para prever as características dos antígenos ideais para vacinas "universais" para vírus em mutação rápida.


    Etimologia

    A palavra museu tem origens clássicas. Em sua forma grega, mouseion, significava "sede das Musas" e designava uma instituição filosófica ou um lugar de contemplação. Uso da derivação latina, museu, parece ter sido restrito na época romana principalmente a locais de discussão filosófica. Assim, o grande Museu de Alexandria, fundado por Ptolomeu I Sóter no início do século 3 aC, com seu colégio de estudiosos e sua famosa biblioteca, era mais um protótipo de universidade do que uma instituição para preservar e interpretar aspectos materiais de seu patrimônio. A palavra museu foi revivido na Europa do século 15 para descrever a coleção de Lorenzo de 'Medici em Florença, mas o termo transmitia o conceito de abrangência em vez de denotar um edifício. No século 17, museu estava sendo usado na Europa para descrever coleções de curiosidades. A coleção de Ole Worm em Copenhagen era assim chamada, e na Inglaterra os visitantes da coleção de John Tradescant em Lambeth (agora um bairro de Londres) chamavam a coleção ali de um museu; o catálogo desta coleção, publicado em 1656, foi intitulado Musaeum Tradescantianum. Em 1675 a coleção, tendo se tornado propriedade de Elias Ashmole, foi transferida para a Universidade de Oxford. Um prédio foi construído para recebê-lo, e este, logo após ser aberto ao público em 1683, passou a ser conhecido como Museu Ashmoleano. Embora haja alguma ambivalência no uso de museu na legislação, elaborada em 1753, que funda o Museu Britânico, no entanto, a ideia de uma instituição chamada museu e criada para preservar e expor uma coleção ao público estava bem estabelecida no século XVIII. Na verdade, Denis Diderot delineou um esquema detalhado para um museu nacional da França no nono volume de sua Encyclopédie, publicado em 1765.

    Uso da palavra museu durante o século 19 e a maior parte do século 20 denotou um edifício que aloja material cultural ao qual o público tinha acesso. Mais tarde, à medida que os museus continuaram a responder às sociedades que os criaram, a ênfase no próprio edifício tornou-se menos dominante. Os museus ao ar livre, que compreendem uma série de edifícios preservados como objetos, e os ecomuseus, que envolvem a interpretação de todos os aspectos de um ambiente ao ar livre, são exemplos disso. Além disso, os chamados museus virtuais existem em formato eletrônico na Internet. Embora os museus virtuais ofereçam oportunidades interessantes e tragam certos benefícios aos museus existentes, eles permanecem dependentes da coleção, preservação e interpretação das coisas materiais pelo museu real.


    A Era Védica

    Na era védica, a eleição do rei estava nas mãos do povo. Dr. K.P. Jayaswal é brilhante Polidade Hindu contém descrições ricas deste processo eleitoral. Basta dizer que todas as aldeias, vilas e cidades tinham corredores públicos (semelhantes às Câmaras Municipais modernas). O povo da aldeia e os habitantes da cidade se reuniam regularmente lá para discutir questões de importância pública. Esses salões também serviam de local para reuniões sociais em geral. Vigorosos debates foram realizados. As questões locais e não locais foram resolvidas após discussões acaloradas que às vezes duravam semanas. Essas salas também eram locais para competições verbais. o Tattiriya Brahmana tem um versículo brilhante que incentiva os jovens a participar ativamente em assembleias públicas e a falar o que pensam sobre questões sociais e nacionais sem medo.

    O rei compilou cuidadosamente relatórios de todos esses debates e geralmente seguia a corrente da opinião pública. Mais importante, ele consultaria as pessoas proeminentes e sábias em seu reino antes de implementar uma política que ele sentia que iria contra a opinião pública.

    Esses princípios fundamentais perduraram ao longo de nossa história, como veremos.


    HISTÓRIA

    O Programa de Estudos de Literatura da Indonésia é o primeiro programa de estudos estabelecido desde o início da criação da Faculdade de Letras, que na época era denominada Faculdade de Letras e Cultura. A constituição deste programa de estudos e do corpo docente afasta-se da ideia de constituição expressa na consideração do Decreto do Reitor do UNDIP nº 626 / Sp / Adm / BUP / 1965 de 25 de janeiro de 1965 relativo à constituição do Comitê de Estabelecimento da Faculdade de Literatura, que escreveu o seguinte:

    “Java Central é uma área rica em fontes históricas, culturais e literárias da Indonésia.”

    Com o árduo trabalho da comissão liderada pelo Prof. Soenario SH, esta faculdade foi criada a 1 de setembro de 1965 com o Decreto Ministerial PTIP nº 173/1965 de 21 de agosto de 1965 com um programa ou departamento de estudos, nomeadamente o Departamento de Indonésia . O departamento foi estabelecido com a esperança de que os graduados sejam capazes de realizar uma pesquisa e ampliar os conhecimentos sobre a literatura, língua, história e cultura indonésias, na esperança de que se tornem amplamente conhecidos pela comunidade internacional. Em linha com o desenvolvimento e orientação da época, a Faculdade de Letras e Cultura instituiu um novo departamento, a saber: O Departamento de Anglo-Saxão (1967) e o Departamento de História (1974). O Departamento de Indonésia mudou então para Literatura Indonésia, o Departamento de Anglo-Saxão também mudou para Departamento de Inglês e o Departamento de História foi mudado para Departamento de História. A determinação do Departamento de Indonésia foi baseada no Decreto do PTIP nº 173/1965. No entanto, o novo certificado do Departamento de Literatura da Indonésia foi confirmado pelo Diretor Geral do Ensino Superior em 11 de julho de 1996, nº 220 / Dikti / Kep / 96.

    Com base no certificado de acreditação emitido pelo Conselho Nacional de Acreditação da República da Indonésia nº 773 / SK / BAN-PT / Accredited / S / VII / 2015, foi decidido que o Programa de Bacharelado em Língua e Literatura Indonésio foi credenciado com uma classificação A.


    Assista o vídeo: Paweł Chmielewski: Niemieccy biskupi to już heretycy. Co chcą zrobić z Kościołem? Skąd ich bunt? (Junho 2022).


Comentários:

  1. Benn

    Eu aceito com prazer. Na minha opinião, isso é relevante, participarei da discussão.

  2. Samulabar

    Há algo nisso. Muito obrigado por sua ajuda com este problema.

  3. Veniamin

    Pergunta útil

  4. Leicester

    é estranho de fato

  5. Oskar

    Em princípio, não sei muito sobre este post, mas vou tentar entender da mesma forma.

  6. Faetaur

    A resposta excelente, é companheiro :)

  7. Oles

    O autor tem uma sílaba muito agradável



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